小学生ですでに、映画界へ入ろうと決めていましたね。映画の世界しか知らない映画バカだったなと思います。

映画漬けというよりは、映画が居場所だったのでしょうね。高校時代は授業そっちのけで、学校をサボり喫茶店か映画館へ通っていました。文化祭で８ミリ映画を撮ったのですが、僕のスリラー作品がマニアックだったからか、他のクラスが製作した青春映画より、人気がなかったですね。みんなにウケる映画を作れなかった不甲斐ない自分を、見返したい気持ちは、どこか、根底にずっとある気はします。

高3の進路指導で担任から「前田は大学には行かない方がいい」と言われて、卒業後は映画の専門学校へ行きました。ただ、在学中にドロップアウトして、東映東京撮影所でのアルバイトを始めました。

はじめはセット解体のアルバイトとして入ったのですが、僕自身は助監督になりたい気持ちが強かったので、大道具の棟梁に「助監督になりたい」と相談したんですよ。棟梁がいい人で、撮影所の所長に掛け合ってくれたのをきっかけに、テレビドラマの制作現場に関わりました。2 年ほどで十数本の2時間ドラマにたずさわり、縁が繋がって、1987年公開の映画『私をスキーに連れてって』の助監督に入れてもらったのが、映画助監督としてのキャリアスタートでした。

ありがたいです。運と縁のおかげだと思います。振り返ると、大きなターニングポイントが2つあり、最初に変わるきっかけを与えてくれたのが相米さんでした。思い返すと、助監督時代は自信満々で、自分が一番映画の現場をわかっていると勘違いしていたと思います。監督のもとで現場を仕切るのがセカンド助監督の役割です。自分は作品に身も心も捧げている気でいたので、スタッフに対して「なぜ、もっと映画に集中しないんだ」といつもイラだっていましたね。

監督デビューした時に、相米さんが「しょせん、お前の考えはお前の中にあるだけだ。スタッフが100人いたら、100個のアイデアを活かすことができる」と教えてくれました。スタッフが映画だけに集中したくてもできない時もあるし、それぞれの生活や都合があるからなのに・・・、ベクトルや考え方は違えども、みんな「いい映画を作りたい」と思っているのを、理解できていなかったんですよ。相米さんからの言葉で仕事への価値観が大きく変わりました。

2018年に公開した大泉洋さん主演の映画『こんな夜更けにバナナかよ 愛しき実話』のプロデューサー、松竹映画の石塚慶生さんも人生を変えてくれた方です。監督デビューしてから、十数年間も映画を作り続けていましたが、2012年公開の映画『王様とボク』以降、映画を撮れなくなった期間があったんです。その時期に「キャリアはあるのに、賞も獲っていない、ヒット作もない。これからどうするんですか？」と問いかけてくれたのが、石塚さんでした。

一度、石塚さんから「企画を30個出してください」と言われて、実際に30個出したんですけど、すべてボツになってしまったときに「何をカッコつけてるんですか？ 本当にやりたいものをやらないでどうするんですか？」と戒めてくれたんです。その後、改めて出した企画が『こんな夜更けにバナナかよ 愛しき実話』で、石塚さんからは「いい企画だけど、完成まで3年はかかりますよ」と言われました。「失うものは何もないから大丈夫です」と答えて、当時やっていた大学の准教授も辞めて、覚悟を決めて打ち込んだ作品でした。

しばらく映画を作っていないブランクもあったし、メジャー作品がヒットしていない過去もあり、最後のチャンスとして取り組んでいました。原作がノンフィクションであること、障害をテーマにする企画を通すのはハードルが高く、いい脚本を作り、スターを集めなければという課題もありましたが、障害に関する概念を突き破る主人公なので、勝負をかけるに値する作品になると確信がありました。

自分を疑うことでしょうか。自分の考えが正しいわけでもないし、自分のセンスが一番ではないし、当たり前のことですが、映画をスタッフとキャストと一緒に作り上げていくことを徹底しようという、意識の変化かもしれません。『こんな夜更けにバナナかよ 愛しき実話』の主人公・鹿野さんのように、人に助けられながら生きているんだと、身をもって理解できたんだと思います。助監督時代はもちろん、監督デビュー以降にも勘違いがあり、毎年映画を作れていたのは運とタイミングがよかっただけだと、今では思います。

浴びるように映画を見て、浴びるように（脚本を）読む。クリエイターを目指す若者たちにお伝えするとしたら、何でもとにかく吸収する姿勢を持っていてほしいです。そのときは意味が理解できなくとも、いずれ自分の血と骨になりますから。質より量の時期なんです。名作と言われているものから、自分が興味を少しでも持ったもの、人が勧めてくれものまで、時間の許す限り、見てほしい、体験してほしいと思います。効率的なことを追ってはいけない時期なんです。

僕は、明日すぐ役立つことではなく、5年後、10年後に役立つことを学ばなければ意味がないと思っています。若いときは多くの作品を見てきましたけど、それでも、「あの時代に戻りたい。もっと見ておけばよかった」と後悔もあるんですよ。若いうちに何でも吸収しておけば、いずれクリエイターとしての血と骨になります。

僕は仕事の合間に映画館で黒澤明特集、小津安二郎特集、成瀬巳喜男特集などを貪るように見ていました。当時の経験は今も記憶に強く残っています。他ジャンルでも言えることで、伝統芸能や絵画など、とにかく多くの本物の作品にふれておくことは、必ず未来の自分に味方してくれるスキルとして現れてきます。

最初は、田島列島さんの原作にある持ち味、独特なユーモアや間を「どう映像化しようか」と考えました。原作を拝読したときに、田島さんの描かれるキャラクターはみんないとおしいと感じましたし、お話の舞台となるシェアハウスで彼らと一緒に過ごしたいと思いました。その空気感をスクリーンで具現化できれば、多くの観客に響くものになると確信しました。

それもやはり、原作に力があるからです。田島さんはキャラクターの愛おしさを描かれている一方で、残酷さもちゃんと表現されていて、たがいのバランスが絶妙とも思ったんですよ。周囲からは「何で小さな石ころににつまずいているの？」と言われるけど、自分にとっては大きな岩だと感じてしまうことって、誰でもあると思うんですよね。そうした気持ちに寄り添いながら、声高に励ますのではなくそっと背中を支えてくれる優しさに溢れた作品になったと思います。

広瀬さんには「こうしてください」と、具体的な指示はほとんどなくて、広瀬さんとは撮影前に、脚本を１ページづつ辿って、榊さんの感情の流れについては話し合いました。ト書きも含めて「ここはこういう感情だと思いますけど、どう思いますか？」と一字一句を丁寧になぞって、意見交換はしましたね。ただ、お芝居は相手役がいてこそ完成しますし、事前にきっちり詰めるのではなく、ある程度の余白も残した上でクランクインしました。

こちらの想像を超える演技を見せてくださるんですよ。先ほど言ったとおり、お芝居は相手役があって完成するものですから、撮影現場でのライブ感も重視していますが、広瀬さんはふと出る表現が特に強いんです。テストで「あの感じよかったです」と言っても覚えておらず、一瞬一瞬で常にベストの演技を出してくるのが、とても素晴らしいし、凄い！計算して表情を作るのでもなく、自然にその時に出た感情を率直に表現できるのは真の俳優である証拠です。

はじめてご一緒しましたが、子役時代からの経験が豊富なのに、擦れたところがない初々しさを持っていて、相手とのライブ感で芝居ができる。ただ今回は、感情を吐き出すシーンの撮影では、翌日に持ち越すほど苦戦していました。物語の中で大西さんが演じた直達は、感情をあまり表に出さないキャラクターですが、そのシーンは普段とは真逆で、一気に感情を爆発させる必要があったんです。苦戦していたのは、それだけ直達になりきっていたからだと思うんですよ。最終的には、僕らスタッフも心を揺さぶられるほどの感情が溢れ出す演技を見せてくれました。

相手との距離を感じさせない、ずっと前からの親友のような親しみやすさがありますね。初対面のとき、他人に壁を感じさせないと思いましたし、どこか飄々としていているのだが、ちゃんと役について考えている。演技についても今までの経験値を理屈というよりも、体に刻みつけている感じが素敵だなと思いました。少し天然でマイペースなとこころがあって、女性スタッフからは、ほっとけない弟のように愛されていましたね。よりいっそうの活躍を期待しています。