実は今回、窪塚くんにだけ演技に関してのリクエストをしているんですよ。演技を一切しないでほしいと。窪塚君のままで出てほしいとお願いしました。

ケガを負った由紀を病室で介抱しながら「それも由紀なんだよ」とつぶやくシーンがありますが、それを見たとき、声のトーンなどすべてがよくて、お願いをしてよかったと思いました。僕の中で彼はキング（TBSドラマ「池袋ウエストゲートパーク」で演じた役）だったし、他にも奇天烈（きてれつ）な役をいろいろやってきていてどれも魅力的だったんですが、今回はそれじゃなくて大人の窪塚君を見たかったので。ただ、料理は下手でしたけどね（笑）。我聞が作る料理が美味しそうに見えるのは映画のマジックです。

いろいろありましたが、結果よかったと思ったのは、由紀たちの学生時代から時間を追っての撮影です。巻き込まれ型が誰一人おらず、特徴のある背景を背負った登場人物ばかりだったため、一つ一つの出来事が今後の人格形成にすごく大きな意味を持っていました。それを皆さんがきちんと理解してくださり、それぞれが一歩ずつ踏みとどまりながらどう表現するのか、練りに練って現場に来てくれたからこそ、最後まで突っ走れましたね。最後の裁判のシーンが印象的に映っているのは、役とともに歩んできたからだと思います。

撮影は一期一会で映画が完成したらチームは解散してしまいますが、なんかずっとこのまま引きずっている気がしています。北川さんを見ても由紀だと思ってしまうし、中村君を迦葉だと思ってしまうみたいな……。

撮影をしていると個人と役の境界線を失ってしまう瞬間があるものですが、今回はそれが多かったような気がします。憑依できる人が多かったのが理由かもしれないですが、それだけ役に入ってもらっていたのだと思います。これまでもそう感じる作品はありましたが、なんかどこか特別な思いのある作品になりました。

やはり北川さんと芳根さんが向き合う面会室のシーンです。これまであそこまでの涙の応酬はなかったですし、何か尊いものを感じるシーンになっています。

そして撮影という観点からしても、実は凝った作りになっています。面会室はガラスで２人を遮っているのですが、このガラスが非常にいろんなものを映してしまうんですよ。カメラを構えると反射で映ってしまったりして……。そういうものを避けながら、でもかなり近いところで顔と顔が重なるようなカットが撮れたのはうれしかったですね。ある種マジックでしょうか。もうガッツポーズでした（笑）。

北川さん側、芳根さん側それぞれ1回くらいですね。今回はワンカットで撮るシーンも多かったです。

その一つが、迦葉の弁護士事務所で由紀が本音をぶつけるシーン。あれは最初からそうしようと思っていました。もともと私はカット割りが多いタイプなんですが、できるならワンカットがいいと思っているんですよ。それはやはり撮っているのは演技であり芝居ですから。舞台にカット割りがないように、映画もなくていいかなと。

最近は「ワンカットで撮影しました」そんな作品も増えていますが、そういうアピールではなく、演技をしっかり見せる点では役者もワンカットのほうがやりやすい。今回は内容も内容なので、そういう生身の迫力みたいなものを撮影したいと思いカットを割りませんでした。

ありがたいことに社会性の強い作品を多く撮らせていただいていますが、特に意識はしていないです。ただこのような作品を撮っていると、人の心の奥底は計り知れないと感じ、それをしっかり映画で表現していきたい気持ちが生まれてきています。

またそういう作品を作るのは今の時代に必要なんじゃないかなと。世界が求めているというか。心の寒さや疎外感は日本だけではなく世界でもテーマになっているものです。そういう心のゆがみに映画たるもの向き合え、と言われているような気がします。

そうですね。伊丹十三監督や森田芳光監督の作品のように、先人が撮った素晴らしい作品には、どこかそのような要素をはらんでいます。そういうお話をいただけるのなら監督としてできる限り、きちんと向き合いたいです。

今回も、公認心理師がどういう職業なのか、クライアントとどうやって向き合うのかな、など、この作品を作るにあたって一つ一つ学んでいきました。弁護士にしても、よくドラマではあっと驚かせる証拠を提示したり裁判で裏をかいたりしますがそんな状況はないんです。

そういう今まで見てきたようで見てこなかった物事に、きちんと向き合って、ていねいに作品を作っていくのが大事だと考えさせられました。

そうですね。私は学生時代から映画監督に憧れていたタイプではないんですよ。21歳のとき、拾った新聞で映画専門学校の宣伝を見たのがはじまりで。

当時は映画監督なんて芸術家って印象で、とんでもない世界だったわけですよ。それが僕みたいなものでもチャンスをいただき、88年に映画監督デビューができて。 ただ、そこからも映画監督に向けて歩み出したかっていえばそうでもない（笑）。

レンタルビデオ屋が勃興してくると毎日いろんな映画が見られるようになって、今まで見てこなかった分を埋めるように見て知識を増やせました。時代がデジタルに変わっていくタイミングでしたし、これまではスペシャリストでなければ撮れなかった映画も気軽に撮影できるようになっていって……。

そうやって映画に参加できるようになった側面があり、幸運にも50本も撮影できました。いろんな商業作品に携わるようになり、そこで自分なりのテーマを設定していくのも楽しいんじゃないかなとも考えるようになりました。

また、考え方は10代や20代のころから変わらないので、自分が感じることを素直に表現できたらいいと思っています。

クリント・イーストウッドとまではいかないですが、自分の撮りたい作品づくりをするスタート地点に立てるようになったのかもしれません。映画を撮れるのが自分の武器で、今感じていることを表現していけたらいいなと思います。

それぞれ目的が違いますね。配信を含めてテレビのドラマはどこかで釘付けにするパワーみたいなものがないとダメです。じっくり見せるやり方もありますが、僕がやってきたジャンルは瞬発性が問われていくものでした。

対して映画は、映画館に入った段階でよし2時間見てやろう、そんなお客さんの気持ちが作品と対峙するので、総合的に何か置き土産を残さないといけない、と思っています。それはテーマだったり圧倒する映像だったりなんでもいいのですが。

ちなみに舞台は、“じっくり見させて何かを感じさせること”“瞬発力で見せていく力”も“対峙するお客さんへの置き土産”も、全て必要だと思います。

こんなふうに言うと怒られるかもしれないですが、それは僕が素人だからです。アマチュアリズムっていうのか、ドラマや映画に対してそれぞれのドグマがないんですよ。

いい言い方をするとそこにとらわれていない。“面白ければいい”的な考えがあります。僕は劇団をやっていましたが、トータルで1000人くらいしか見ていないものですがすごく時間をかけて何とかして笑いを取ろうと必死に燃えていたんですよ。それは、商業演劇でも同じで。10人だろうが10万人だろうが変わらない。観客がいる限り全力を出すのが僕のポリシーです。

ただその反面、映画言語が分からなかったり、自分の原点の作品がなかったり、同時代性の経験もとくにない。それらはコンプレックスでした。なのでギャンブラー的な作品作りの傾向が多かったのかもしれないです。

これはクリエイターに限らずですが、絶対に譲れない「好き」を一つ持っておく、です。それはすごく簡単なものでよく、自転車が好きで組み立てられるとか、北海道を走りましたとかでもいい。それってすごい能力ですから。

だってタマネギについて負けない！なんて人がタマネギの映画を撮れば、僕たちは絶対勝てっこないですから。そういう負けない何かを持っている人が強いと思います。それがその後、その人の柱となっていくと思うので。

僕はやっぱりロックスピリットです。ちなみにロックに傾倒したのは、能楽をやっていた父親の影響もあります。父は家で舞っていたのですが、それに対してめちゃくちゃ反抗心を持ち、隣でギターをかき鳴らしていましたね。

ある日、親父が「うるせー」と言ってギターを壊して。あの時に決めました、ロックを愛そうと（笑）。

誰にでも自分を突き動かす何かがあると思います。一度、自分を切開して周りのものをそぎ落として何が残るのかを考えてみてください。それが自分の核となる部分なので。それは技術とかではないと思いますよ。