ざっくり“メンヘラ”（心に問題を抱えている人、周りを振り回しがちな人）をテーマに撮ってほしいと言われたのがきっかけです。“メンヘラ”は、ある種、現代の社会問題ですが、実際、そのように呼ばれる若者はどのような人物なのか、どのような葛藤があるのかを描ければと考えました。“メンヘラ”と括ってしまうと乱暴ですが、世の中、誰しもが生きている上での悩みは抱えていると思うので、その生きづらさや社会との摩擦を描きたいと思いました。

それはすごく感じます。そこに関しては、黒羽麻璃央くんが演じた修一に投影していますし、穂志もえかさんが演じた莉奈の葛藤は少なからずあると思います。莉奈のような感情の起伏はないとしても、誰しもが根本には彼女のような思いや悩みを持っている気がするんですよ。そういう意味で、共感性をすごく大事にしました。

この作品はすごく地味で、決して世界を救うヒーローが主人公でもないし、悲劇的でドラマチックな恋愛作品でもないのです。街を歩く平凡な日常を過ごしている人々の中にあるドラマを描きたいと思いました。今は声の大きい人が取り上げられる時代です。そういう強い人の言葉ばかりではなく、声になっていない、注目をされていないけど存在している人々の声も描きたいという思いもありました。

最初は、それこそ普通であまり刺激的ではないタイトルも考えていました。アイデアを出していく中で、プロデューサーでもある藤井道人から、「作品に登場する莉奈のTwitterのアカウントである“イキゴメ”は何の略称なの？」と聞かれ、「“生きててごめんなさい”ですよ」と答えたら、「それだ！」と。主人公の2人を表現するインパクトのあるタイトルが付けられたと思っています。

キャスティングはすぐに決まりました。黒羽さんはイケメン的な印象が強い中で、修一が内面に持っている優しさ・脆さを持っている、どこか人間らしい部分がある素敵な方で。修一にぴったりだと思いました。穂志さんは、莉奈のように爆発はしないけれど共通する部分もあり……。莉奈に共感してくれたというのもすごく大きかったです。

色々話しました。それこそ劇中にはない、生い立ちやどのように育ってきたかといった細かい部分まで話して理解していただきました。そうすることで、映画で切り取られる2時間の中だけで生きるのではなく、幼いころから生きていてちゃんと存在する人間であることを表現してもらえたと思います。

毎回、作っています。それはお芝居だけでなく、その人の住んでいる部屋を表すのにもすごく大事なんですよ。今回、2人が同棲している部屋は物で溢れかえっています。着ている服をどこに置いているのか、片づけないのか、どういう物を使っているのか、いつものファッションは……などといった細部のこだわりが、キャラクターの厚みを増やしていくので。行動や物にも歴史を感じさせる形にできればと。リアルさを出すためには、バックボーンは必要だと思います。

片づけられないところが、彼女の混乱に映ればいいなと思いました。修一で言えば、服の役割が大きいと思います。彼は形だけのカッコよさ、それっぽさを求めていて、中身がないんですよ。中身と見た目がすごくブレている人物で。できる人に見える服を着ることで、より“っぽさ”を求めている人に映るかなと思いました。

穂志さんはすでに莉奈でしたね。黒羽くんは徐々に崩れていって、より修一に近づいていったというか。序盤から順撮りに近い形で撮っていけたので、その変化は逆に良かったと思います。ちなみに黒羽くんは撮っていく中でプレッシャーを感じ、自分はポンコツだと思うようになっていったようで。それは修一があまりにもダメダメなので、黒羽くんが普段言わない、言いたくないセリフを言うことで追い詰められて、へこんでいったのが大きいようでした。劇中と状況が重なっていくことで……。（演技するうえでは）すごくよかったと思います。

僕はただ穂志さんを自由にすることだけを考えました。映画を観るとそれは成功したなと感じています。例えば右手で持っているものが左手になったりすることなど繋がりを気にして演じるのではなく、いかに感情を出してもらうかを意識してディレクションしました。

やはり2人が演じることで、僕が台本上で想定していなかった感情が出てきたりすることがとても刺激的でした。台本に沿ってイメージしたことを撮るのではなく、現場で起こる化学反応のような、その場で生まれる感情を大切にしたからこそ生まれた演技だと思います。

とにかく自由に演じてほしいと伝えていました。だからこそ感情をぶつけ合うシーンでは、台本にはないセリフが突然生まれたのだと思います。また、日常のシーンでは、長く同棲しているカップルの距離感が伝わる空気感も出していただいて。セリフだけではなく、雰囲気から役になっていたからこそできたお芝居だと思います。

2人がケンカをして、最終的に莉奈がベッドに逃げるシーンです。実は、リハーサルではベッドに座って背を向けて演技をしていたのですが、本番が始まると、穂志さんはベッドの奥になだれ落ちてあまりはっきりと映らないところで演技をしているんですよ。この演出は監督のディレクションでは生まれないと思いました。俳優が自分の感情で動くというのはとても大事なこと。僕の想定を超えていて、そのうえで穂志さんは莉奈そのものになって、そして莉奈の感情が伝わる。最高のシーンだと思います。

映画というものは監督だけではなく、俳優がいて、カメラがいて、照明がいて……と僕だけではない脳みそを持っている人が集まってつくるものなので。想像していたことが100％だとしたら、120％や200％になっていくんですよ。これこそが、監督をしていて一番楽しいことだと思います。

子どものころは劇場版『ドラえもん』が大好きでした。中でも『のび太と夢幻三剣士』（94年）は繰り返し観ていました。好きな夢が見られる道具を使ってファンタジーの世界で戦うのですが、次第に夢と現実が混ざってくるという少し不思議な映画で。『ドラえもん』の映画なのに少し怖さがあり、それが僕にとってすごく面白かったです。レンタルショップに行くといつも借りていたので、母親に何度も「観たでしょ」と言われていたのがいい思い出です（笑）。もちろん小学生だったので純粋に楽しんでいたのですが、同じものを繰り返し観ていると映画の様々な魅力や細部のこだわりにも気づいたりするので、それが映画そのものにのめりこむきっかけだったのかもしれないです。

中学生くらいになると、『マトリックス』シリーズ（99～03年）や『タイタニック』（97年）を観るようになり、そうなるとその監督の別の作品を観たくなってどんどん世界が広がっていきました。当時は、埼玉に住んでいたので、ミニシアター系など東京でしか観られない作品も多く、一人で東京に来て観ることも多かったです。中でも高校生の時に観た、岩井俊二監督の『リリイ・シュシュのすべて』（01年）は衝撃的でした。重い内容で観た後は3日間くらい落ち込みましたが、すごく素敵で。映画の力を感じました。観たことのない青春映画で大変影響を受けた作品です。

映画を観ていたらやっぱり自分で撮りたいと思って、自然と「監督」を選んでいました。そしてみんなが就職活動をする時期が来ても、僕はずっと監督になりたいと思っていたので、それ以外は考えず。まぁ他にやりたいことがなかったというのが大きいですが。ちなみに当時撮った映画も、テーマ的には今とそんなに変わっていないんですよ。一貫して人間を描きたいと思っていて。それはきっと今後も変わらないと思います。今でも、街中を歩いていると周りの人が、ファミレスに行くと隣の人が気になります。例えば、めちゃくちゃケンカしているカップルがいたら、なんでずっと一緒にいるんだろう？とそのバックボーンを想像したりして楽しいんですよ。人がいるだけで面白いドラマが潜んでいる気がします。

不安しかなかったです。ただ気づいたのですが、意外と人間は就職をしなくても生きていけるんですよ。極端な話ですがみんないずれ死ぬので、だったら一度くらいはやりたいことを求めたほうが素朴に楽しいと思います。ちなみにやるからには、一生懸命頑張ることが必要です。自分が本当にやりたいこととは違っても、最終的なゴールの過程の一つという思いでやることが大事。やっていることはいずれ自然とやりたいことに繋がっていったりすると思います。

全く違いますね。CMは商品の魅力をどれだけお客様に伝えるか、ミュージックビデオはアーティストの楽曲をいかに魅力的に見せるかを考えます。どちらも、先に必要なシーンがあって、それをどう表現するかが大事です。対して映画は、自分自身にある何かを表現するところに帰結すると思います。
ただカメラを置いて撮るという意味では変わらないので、CMやミュージックビデオを撮影した経験が活きているところは大いにあります。とくにミュージックビデオは４・5分間飽きさせないことが大事なので、比較的、映像的にも凝った面白いものにしようという気持ちが働きます。また音楽に合わせてどのようなカメラワークだと気持ちがいいのかを知るなど、ミュージックビデオを撮影していなければ分からなかったこともたくさんあるので、本当に経験にムダなことは一つもないと思います。

いろいろ挑戦してみたいですが、ホラー作品が好きなのでホラーを撮ってみたいです。『ミッドサマー』（19年）や『ヘレディタリー/継承』（18年）のアリー・アスター監督が好きなので、彼のような作品が撮ってみたいです。彼の作品は、ホラーを描いているようで人間のイヤなところや弱いところを描いているんですよ。僕も人間を描きたいと思っているので、ホラーというジャンルで人間を描いてみたいと思います。

僕がとても好きな言葉に、井上雄彦先生の漫画「バガボンド」で又八という情けないキャラクターに対して、母親であるおばばが言った「この世に強い人なんておらん　強くあろうとする人　おるのはそれだけじゃ」というセリフがあるのですが、まさにこれで。どれだけ強そうに見えても、結局強くあろうと思って弱さを何とか克服するために頑張ろうとしているのであって、本質的に人間は誰しもが弱いんだと思います。だからこそ弱く見える人を描いて、どれだけ強い人も同じであることを伝えていきたいです。

監督という仕事は1人ではできないので、俳優、カメラマン、照明といった作品に携わる人が120％の力を出せる環境をつくれるかだと思います。全員が120％の力を出してくれれば、僕が思っているものをはるかに超える素晴らしい作品になると思うので。そのために、「自由にやってください」という空気を出しています。みんなが思ったことを自由に言える場というか……。コミュニケーションは取るようにしています。コミュニケーションの場はとても大事です。そして、もらったアイデアを取捨選択することも大事な仕事だと思っています。

やはり日々の努力だと思います。僕は自分に才能がないと思っているし、才能自体存在しないと思っているので、どれだけ毎日を頑張って、どれだけ自分を追い込んでいるのかが全てだと思っています。映画監督は数学のように確実な答えがあるわけではないので、いかに細かい部分に悩めるかが大事で。例えば、撮影現場で机の上に置かれている飲み物に対しても、全部入っているのか、それとも3割だけなのかでかなり変わってくるんですよ。作品内で言及されなくても、飲み物だけでそこに何時間いたのかを伝えられるというか。そういった細部にもこだわって考えて悩めるか。もちろん妥協しなければいけない場面はいくらでもあるので、最高の妥協点をどこまで求められるか、それが一番大事だと思います。